La educación artística.

Es necesario revisar la manera en la que se imparte, sus contenidos, sus conexiones con el mundo tecnológicamente activo y eminentemente visual que nos rodea y otorgarle la creciente importancia que está adquiriendo. Un mundo visual requiere de un entrenamiento para poder leer sus imágenes. Las múltiples imágenes que vemos a diario y que ejercen un tremendo poder sobre nuestras mentes y en consecuencia sobre nuestros comportamientos. El arte es comunicativo, pero para que exista comunicación es necesario conocer los códigos, y estos códigos, este lenguaje, tiene que ser enseñado en la escuela.
La educación artística es la asignatura desde la que se puede ayudar a los alumnos a valorar y desarrollar lo que les hace distintos, únicos tanto a ellos mismos como a sus obras, contribuye a la construcción de la propia identidad. Esta asignatura no busca una sola respuesta, ya que en la diversidad de respuestas está el fin; valorar la visión personal. Y esa visión personal surgirá de la búsqueda, del análisis, de las conexiones que establecemos en nuestro interior, de los pequeños descubrimientos, de la toma de decisiones, de nuestra capacidad de riesgo, de la variedad y de la flexibilidad. Para todo esto tenemos que entrenarnos. Lo que nos conducirá hacia un pensamiento crítico, activo.

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Pinacoteca.

Para comprender la obra de Xul

Qué es un símbolo? Un símbolo es la representación de una idea. Es una imagen que expresa una semejanza determinada con algo. Los símbolos evocan conceptos que vienen de pasados remotos, verdades que permanecen inalterables. Por ejemplo, cuando vemos una cruz, la asociamos con la cristiandad y cuando vemos una estrella de seis puntas, la asociamos con el judaísmo. La obra de Xul es rica en símbolos. Muchos de ellos con connotación espiritual,  que se remontan a sabidurías ancestrales de oriente y occidente. Entre los principales símbolos que utiliza el artista encontramos: la serpiente, el dragón, las escaleras, las montañas, las flechas, las banderas, las manos. La serpiente y el dragón pueden provocar miedo. Pero en realidad, poseen distintos significados de acuerdo a la cultura que los evoque. En el caso de la serpiente, ha sido utilizada universalmente para expresar algo. En la antigüedad significó  sabiduría, representó también la regeneración psíquica y la inmortalidad. Fue imagen del alma que reencarna y se “reviste de nueva piel” entendida como la eternidad. Se refiere también al primer rayo de luz emanado del Divino Misterio. Sin embargo tiene también una connotación negativa: como símbolo de su sombra, de la oscuridad de la materia, del mal, la tentación. El dragón Si hay un animal mitológico cargado de simbolismo, sin duda es el dragón. Combate con héroes solares como Sigfrido,  Hércules, San Jorge, San Miguel y representa en esos casos la lucha entre el bien y el mal. En civilizaciones muy antiguas, como la china, el dragón representa poder. El dragón, es quien trae el agua a la tierra y permite así la fertilidad de los campos. Es entonces dador de vida, la lluvia fecunda la tierra. Representa, además, el dominio de los cuatro elementos (tierra, fuego, agua, aire). Su aliento emite el chi cósmico, es decir la energía cósmica.  En la India el dragón identificado con Agni, señor del rayo, supone el principio de todo.  Las banderas Las banderas son un símbolo que identifican países. Sus colores siempre tienen un significado asociado, al igual que los escudos o figuras que se elige poner en ellas.
La bandera de la paz, por ejemplo, es blanca. Cuando un enviado en medio de una batalla, levantaba la bandera blanca, significaba que deseaba parlamentar o rendirse. En la obra de Xul las banderas están muy presentes. Especialmente una bandera multicolor en la que observamos la tonalidad del arco iris. ¿Qué significa esa bandera? Xul Solar significa: Lux Solar= luz del sol. La luz del sol puede descomponerse, a través de un prisma, en un arco iris.  Es decir, la luz blanca es la unión de siete colores. Si lo vemos desde otro punto de vista, la conjunción de los colores del arco iris, forman la luz blanca. La bandera multicolor de Xul es una expresión de unidad y de fraternidad. Nos dice que la unidad conforma un todo armónico en paz. Las escaleras y las montañas Tanto las escaleras como las montañas nos hacen pensar en elevación.  Nos dan la sensación a ascenso. Las escaleras en la obra de Xul son vistas desde la base, no desde la cima, por lo que nos invitan a mirar hacia arriba, aunque están arraigadas en el plano inferior. Son una forma de representar la energía cósmica del eje el mundo en sentido vertical. Son una invitación a la ascensión, a la búsqueda de un plano de consciencia superior, a la autoafirmación. También pueden representar la subida del alma hacia lo divino o el descenso de lo divino hasta el alma para otorgarle su gracia. En el caso de “San Francisco”, la montaña está directamente relacionada con el lugar elegido por el Santo para la meditación. Lugar donde se aleja de todo para acercarse a Dios. Representa entonces el sitio de comunión con lo divino y por lo tanto de ascensión espiritual.







Antonio Segui
Pintor, ilustrador y grabador argentino nacido en la ciudad de Córdoba en el año 1934; es uno de los máximos representantes de la corriente hiperrealista de su país.
Realizó sus estudios artísticos entre Argentina y Europa. A los diecisiete años visitó ciudades como París y Madrid, donde conoció a personajes de renombre en el ámbito de las artes.
En 1957 celebró su primera exposición en la Galería Paideia y en la Dirección de Cultura en Córdoba. Pronto se pudieron ver sus obras fuera de su país, en concreto en España. Un año más tarde trasladó su residencia a México, donde cultivó la amistad de David Alfaro Siqueiros y quedó cautivado por el arte precolombino, del que más tarde se convirtió en coleccionista.
Viajó por Sudamérica y América Central, y expuso en el Museo Municipal de Arte en Ciudad de Guatemala y en el Museo de Arte Colonial en Quito. A principios de los años sesenta regresó a su país, donde comenzó a pintar cuadros sobre ampliaciones fotográficas; su obra destacó en ese momento por la utilización de técnicas muy próximas al cómic. También participó en la ilustración de varias revistas latinoamericanas.
Con veintinueve años Antonio Seguí se instaló en Arcueil, en las afueras de la capital francesa; allí, tuvo una destacada presencia en la Bienal de Pintura Joven de Francia. Unos meses más tarde representó a Argentina en la Bienal de Venecia, donde también participó en 1984.
A finales de los sesenta se organizaron exposiciones retrospectivas de su obra en la Kunsthalle en Darmstadt (Alemania) y en el Instituto de Arte Contemporáneo de Lima. En 1970 destacó por una serie de pinturas en la que parodiaba géneros muy apreciados por la burguesía -el retrato familiar, escenas de regatas, fiestas, etc.- y los estilos de artistas como Edouard Manet, Edgar Degas y Henri Matisse. Expuso en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires en 1972 y 1991.
Influido por un viaje realizado al continente africano, Seguí realizó un conjunto de dibujos al carbón, sobre grandes lienzos, de elefantes y paisajes argentinos. También creó una serie de cuadros sobre el tema del famoso cuadro de Rembrandt La lección de anatomía del Doctor Tulp, donde se muestra una sala con el equipamiento necesario para que un grupo de estudiantes de medicina y algunos curiosos asistan a una de las lecciones sobre la disección de cadáveres.
En 1979 organizó una exposición en el Museo de Arte Moderno de la Villa de París con pinturas que representaban escenas nocturnas con una comicidad corrosiva. En los años ochenta, Seguí creó una figura de un hombre trajeado con sombrero que reaparece en las escenas urbanas de sus cuadros. En una de las series, el hombre visita los monumentos de París y, en otras, se funde con el panorama de edificios, árboles, seres humanos y otros objetos. Obras como Retratos de familia (1963), Ícaro (1965, Colección Berninger, Zurich); Baño Turco (1982) y La distancia de la mirada (1977, Museo de Bellas Artes de Buenos Aires), proporcionan una muestra del universo pictórico del artista, caracterizado por los personajes grotescos que sobreviven en el entorno urbano.
Entre los premios obtenidos, cabe destacar el Primer Premio en el Museo de Lodz y el Gran Premio Latinoamericano de San Juan de Puerto Rico del Museo, ambos del año 1967. En 1977 recibió el Gran Premio de Honor del Museo de Bellas Artes. En 1989, Seguí ganó el Gran Premio de Artes Plásticas del Instituto Di Tella de Buenos Aires.
En 1985 se celebró en la Presence Contemporaine (Francia) una exposición retrospectiva de este destacado pintor.







Doodle o Garabato.
Un garabato es un dibujo de cualquier cosa, concreta o abstracta, que se hace mientras la atención está ocupada en otra cosa o cuando la persona está aburrida. En inglés se usa el término doodle y en francés griboullage. Es una forma de expresar enojo, felicidad y tristeza.
Los estudiantes suelen hacerlos en los cuadernos de la escuela, a menudo en los márgenes, elaborados mientras están soñando despiertos o cuando pierden el interés en la clase. Son también garabatos los que hace una persona en un papel mientras está en una conversación telefónica larga.
Pueden incluir caricaturas de los profesores y compañeros de la escuela, personajes de la televisión (de los cómics), seres ficticios, paisajes, figuras o patrones geométricos, texturas, pancartas con leyendas y animaciones. Los garabatos pueden ser dibujos sencillos o secuencias de ellos.





Milo Lockett. Una vida dedicada al arte    

Milo Lockett es un artista plástico chaqueño, autodidacta, que comenzó su carrera luego de trabajar varios años en la industria textil.

En 2002 cerró su fábrica y estampadora textil, y abandonó completamente sus actividades empresariales para dedicarse por entero a la pintura.
De nacionalidad argentina, nacido el 1 de Diciembre de 1967, vive y trabaja en Resistencia, su ciudad natal. Desde su taller, situado en Irigoyen 456 “B”, Milo logró crear en poco tiempo, una identidad pictórica que lo convirtió en un éxito de ventas sin precedentes.
Sus referentes se encuentran en la obra de Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira.



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http://www.georgesbraque.org/
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Romero Britto

Nació en Recife, Brasil, en 1963. Autodidacta en una edad temprana, pintó en superficies tales como periódicos. En 1983, viajó a París, donde fue presentado a la obra de Matisse y Picasso. Él combinó las influencias del cubismo con el pop, para crear un estilo icónico vibrante que The New York Times describe, "rezuma calidez, el optimismo y el amor."





Julio Le Parc

(Mendoza, 1928) Artista argentino. Estudió en Buenos Aires y en 1958 se instaló en París, donde se interesó por las investigaciones cinéticas y donde fundó en 1960, en colaboración con otros artistas, el GRAV, grupo dedicado a la investigación del arte visual. Su obra, compuesta sobre todo por relieves que integran la luz y el movimiento, recurre a líquidos fosforescentes, a hilos de nylon y a bandas metálicas movidas de forma mecánica. A partir de 1969, tras volver a la pintura sobre tela, ha trabajado en una gama de catorce colores estrictamente definidos.




Emilio Pettoruti:
Fue un pintor argentino nacido en la ciudad de La Plata provincia de Buenos Aires. 
Fecha de nacimiento: 1 de octubre de 1892, La Plata
Fecha de la muerte: 16 de octubre de 1971, París, Francia
Obras de arte: Pensierosa, La Canción del Pueblo, Más
Períodos: Abstracción geométrica, Cubismo, Futurismo, Modernidad, Constructivismo.









Sol LeWitt:
Artista ligado a varios movimientos incluyendo arte conceptual y minimalista. La pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras son sus medios artísticos predominantes. 
Fecha de nacimiento: 9 de septiembre de 1928, Estados Unidos
Fecha de la muerte: 8 de abril de 2007, Estados Unidos
Períodos: Arte conceptual, Arte contemporáneo, Arte moderno, Minimalismo









Piet Mondrian: Pintor holandés.
Pieter Cornelis Mondriaan, conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista Holandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. 
Fecha de nacimiento: 7 de marzo de 1872, Amersfoort, Países Bajos
Fecha de la muerte: 1 de febrero de 1944, Manhattan, Nueva York, Estados Unidos
Períodos: Arte moderno, De Stijl



http://www.piet-mondrian.org/

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